El género del minimalismo se revela en diversas formas de arte: pintura, música y literatura. Se originó en los años 60 del siglo XX y nació como respuesta al expresionismo abstracto. Los minimalistas intentaron alejarse de los rasgos expresivos del expresionismo abstracto, ya que consideraron estas obras demasiado pomposas, minimizando la esencia del arte en sí. Por el contrario, los artistas del género minimalista intentaron crear una imagen a partir de líneas y figuras simples. El minimalismo se caracteriza por la interpretación de las obras a través de la mirada del espectador. Especialmente para esta obra de arte, se eliminan todos los objetos complejos, medios de autoexpresión, biografías y programas sociales. El espectador debería ver la imagen como realmente es: llena de belleza virgen y honestidad.
Debido al fuerte énfasis en los elementos básicos, el género del minimalismo se conoció como arte ABC. La mayoría de los minimalistas más destacados eran escultores, pero el minimalismo también prevalecía en Land Art, una rama del género destinado a crear arte en forma de paisajes, esencialmente una rama del diseño de paisajes.
El minimalismo también se centra en el movimiento de la luz y el espacio, pero muchos artistas de este género intentan plasmar el vacío en sus obras.
Se creía que el minimalismo se originó en Asia. Para el trabajo de muchos artistas occidentales, como lo ejemplifica Agnes Martin, el budismo zen ha tenido un gran impacto. La gran masa de artistas minimalistas fue influenciada por el concepto de "vacío" tomado de las escrituras hindúes. Mono-ha fue uno de los movimientos minimalistas más grandes de Asia. Fue el primer movimiento de arte contemporáneo de Japón reconocido internacionalmente. Mono-ha, también conocida como la "Escuela de las Cosas", se originó a mediados de los años 60 del siglo XX y luego se convirtió en un movimiento artístico innovador. Este grupo estaba encabezado por Li Ufang y Nobuo Sekine. Fue la única asociación que posicionó sus actividades como actividades "no creativas". Estos grupos rechazaron las ideas tradicionales de representación. Su deseo era revelar el mundo interactuando con los materiales y sus propiedades, similar a la tendencia occidental del minimalismo.
Ofrecemos para ver las obras más famosas del arte minimalista, destacando la pertenencia a este género. También se le presentarán pinturas y esculturas que destruyen las ideas tradicionales sobre el arte en general, ya que han borrado las diferencias entre ellas.
Frank Stella "¡Pancartas hacia el cielo!" (1995)
Frank Stella, como pintor, escultor y grabador, es considerado uno de los artistas estadounidenses más influyentes de la actualidad. Sus cuadros, llenos de rayas, así como grandiosos estampados, revolucionaron no solo el mundo del minimalismo, sino también la abstracción. El autor señala que la mayor influencia en su trabajo fue proporcionada por los artistas abstractos Pollock y Klein. Pero por voluntad del destino, Frank Stella se convirtió en uno de los padres fundadores del minimalismo.
"¡Banderas arriba!" lleva el nombre de la canción de marcha de los nazis, pero todo excepto el nombre de la imagen no parece tener ningún significado. Este trabajo es parte de un gran ciclo de trabajos oscuros de Stella. Las líneas claras, claramente visibles en la imagen, son solo un lienzo sin tratar dejado entre amplias franjas negras. Esta obra monocromática es una de las pinturas más famosas para desafiar el movimiento abstracto.
Robert Morris, Sin título (Cubos de espejos) (1965/71)
"Untitled (Mirror Cubes)" de Robert Morris lo revela no solo como el creador del género minimalista, sino también como conceptual. El autor se encontró con grandes cajas grises hechas de madera contrachapada y utilizadas como decoración mientras aún actuaba con una compañía de ballet. En su trabajo, cubrió estas cajas con espejos, cambiando así la forma de percepción, agregando nuevas propiedades visuales a simples cubos grises. La composición está dirigida a la interacción directa del espectador con el objeto: al caminar entre los cubos reflejados, los espectadores chocan involuntariamente con ellos mismos y permanecen como si estuvieran solos con sus pensamientos, pero solos con todos. El acto de admirar una obra de arte es interrumpido repentinamente por el acto de buscar. Sobre esta base se produce la "invasión" del espacio de la galería. Una persona comienza a sentir la presencia del arte más allá de lo visible.
Agnes Martin, Regreso al mundo (1997)
Agnes Martin pintó cuadros que no representaban objetos de ninguna manera, pero sus nombres enfatizaban el fuerte encanto de la naturaleza. El trabajo de Martin fue reconocido por una cuadrícula que combina minimalismo y combinación de colores. La cuadrícula se utilizó para organizar el espacio del lienzo. Ella ha ayudado a crear una variedad infinita de obras relajantes en combinaciones de colores sutiles.
Fuertemente influenciada por el budismo zen y el taoísmo, Martin ha estado muy alejada del mundo durante la mayor parte de su vida, incluso viviendo en Nuevo México. A los 40 años le diagnosticaron esquizofrenia. "Regreso al mundo" fue escrito en su novena década de vida. En ese momento, ella estaba en un hogar de ancianos. Las franjas de azul, melocotón y amarillo seguían resaltando la exclusividad del arte en un mundo lleno de corrupción, por lo que redujo el tamaño de sus lienzos para que fueran menos difíciles de manejar.
Ellsworth Kelly, rojo, amarillo, azul II (1953)
El servicio durante la Segunda Guerra Mundial tuvo un impacto claro en Ellsworth Kelly. En cierto modo, se utilizó como observación de la naturaleza y la arquitectura, y luego se aplicó en la práctica. Un cuidadoso estudio de la abstracción por parte del autor y su aplicación en sus obras desarrolló el minimalismo. La serie de cuadros "Rojo, amarillo, azul" influyó en la forma de pintar. Fue creado tan pronto como Kelly descubrió las infinitas posibilidades del espectro de color monocromático, la aleatoriedad y la composición de múltiples paneles.
Red Yellow Blue II consta de siete paneles. El panel negro central es a la vez un panel divisor y tres paneles a cada lado. Los paneles azules en los extremos acentúan la composición de Kelly. Es esta obra la que se considera una de sus mejores obras, así como la obra más importante durante su estancia en París.
Saul Levitt, Paredes pintadas
Sol Levitt ha pintado 1350 paredes en 40 años de carrera, de las cuales 3500 son instalaciones en 1200 sitios. Los diseños eran completamente diferentes: desde rayas rectas aplicadas con pizarra negra, hasta líneas onduladas multicolores, formas geométricas de un solo color y espacios luminosos pintados con acrílico. El autor rechazó la importancia tradicional de la propia mano del creador, permitiéndole ayudar a otros en la creación de su obra de arte. Sus pinturas murales tomaron las formas de los espacios que ocupaban, por lo que fueron sometidas a estudio en el campo de la arquitectura y el arte.
Levitt falleció en 2007, pero su obra sigue viva, porque en ellos está incrustado el espíritu del artista. Hoy en día, son varios los artistas que se niegan a recrear sus pinturas murales, lo que les permite decorar paredes en todo el mundo.
Judy Chicago, Rainbow Picket (1965)
El Rainbow Picket es una instalación del tamaño de una habitación. Consta de seis trapecios, de diferente color y longitud. Además de la primera exposición individual en la Galería Rolf Nelson de Los Ángeles (enero de 1966), este trabajo se mostró en la exposición fundamental "Estructuras básicas" en el Museo Judío.Clement Greenberg, reconocido crítico, se refirió a este trabajo como el mejor en este ámbito. En 2004, se reconstruyó el Rainbow Picket, y más tarde el objeto se convirtió en el sello distintivo de LAMOCA “Minimalistic Future? El arte como objeto (1958-1968) ".
Al crear obras como esta, probando las posibilidades del color con sus patrones y esquemas espaciales hechos a sí misma, Judy Chicago saltó a la fama como innovadora en el género minimalista.
Dan Flavin, "Sin título (después de Harold Joachim) 3" (1977)
"Sin título (después de Harold Joachim) 3" es una de las muchas obras de Dan Flavin. Consta de lámparas LED y clips metálicos. El autor estudió las posibilidades de la luz fluorescente durante tres décadas, realizando su trabajo únicamente con materiales disponibles comercialmente. Habiendo renunciado a los conceptos del expresionismo abstracto, Flavin comenzó a utilizar dicho equipo y luego lo introdujo en el mundo del arte superior. A primera vista, el trabajo parece ser lo más simple posible, pero si miras de cerca, verás una profunda sofisticación del trabajo.
Las obras de Flavin tienden a ir más allá del espacio en el que se ubican, gracias al juego de luces y una variedad de paletas de colores. Los objetos permiten al espectador bañarse en el cálido resplandor de los LED, creando un ambiente específico.
Eva Hesse, "Una obra sin nombre (pedazos de cuerda)" (1970)
Eva Hesse nació en Alemania. Ahora la conocemos como una escultora estadounidense innovadora en el trabajo con látex, fibra de vidrio y plástico. Ella sentó las bases para el desarrollo del posminimalismo en los años 60 del siglo XX. El autor exploró las propiedades de los materiales más simples para usarlos en ilustraciones para mucho más.
"The Nameless Work (Pieces of Rope)" se creó en 1970, cuando Hesse ya estaba al borde de la muerte, y se completó con la ayuda de sus compañeros. La exhibición está hecha de látex estirado sobre cuerda, hilo de pescar y alambre y suspendido del techo. Simula un patrón enredado en el espacio. Hesse se ha alejado de la tradicional pulcritud del minimalismo, pero sus formas de presentar el material se perciben dentro del género.
Donald Judd, Trabajo sin título (1980)
Donald Judd niega con vehemencia su conexión con el minimalismo. A pesar de esto, es uno de sus padres fundadores. A principios de los años 60 del siglo XX, el autor descubrió una cierta hostilidad hacia los valores artísticos europeos, por lo que se alejó del trabajo de un escultor y comenzó a crear obras que no podían atribuirse a ninguna de las secciones anteriores del arte. Su trabajo también ha sido expuesto en Major Structures en Nueva York.
En la década de 1980, Judd comenzó a crear estantes verticales colgantes. Un ejemplo de esto es "obra sin título" (1980). Hasta ahora, este tipo de trabajo no se puede atribuir a la pintura. No es una escultura. La obra está realizada en 2 tipos de material: aluminio y plexiglás. Esto se hace para que el espectador piense en la naturaleza contradictoria del arte: las figuras opacas y obsesivas del lateral están conectadas con las profundidades del espacio de enfrente.
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